L'arte di raccogliere donazioni

Nel corso della storia, le arti, come l'istruzione, la ricerca medica, i servizi sociali e la religione, non sono state sostenibili sul mercato senza sovvenzioni. Per secoli, la Chiesa e le famiglie reali hanno fornito tale sostegno. In tempi più recenti, il settore pubblico e quello privato hanno assunto questo ruolo, ritenendo che le arti siano essenziali per definire la nostra umanità. Il sostegno pubblico alle arti è particolarmente rilevante in Europa, dove copre circa il 65-75% dei bilanci delle istituzioni artistiche. Ha un ruolo importante anche negli Stati Uniti, dove il governo sostiene indirettamente le donazioni private alle istituzioni artistiche concedendo lo status di esenzione fiscale che offre ai donatori benefici fiscali. Nonostante le argomentazioni a favore del sostegno pubblico alle arti, su entrambe le sponde dell'Atlantico si levano critiche appassionate. Negli Stati Uniti, lo scetticismo nei confronti dell'intervento pubblico nelle arti è motivato dal timore che possa limitare il migliore sviluppo del mercato artistico e ridurre la vera libertà di espressione artistica. In Europa, il dibattito sui finanziamenti statali alle arti è diventato più vigoroso, spesso evidenziando alcuni effetti collaterali negativi come le lunghe procedure burocratiche legate a tali sovvenzioni pubbliche.

Ma soprattutto, seguendo una tendenza iniziata anni fa ma accelerata durante la pandemia Covid-19, i finanziatori pubblici europei tendono a essere più selettivi nelle loro decisioni di finanziamento, cercando prove dell'impatto economico e comunicativo positivo dei progetti o delle istituzioni finanziate prima di assegnare le loro sovvenzioni.
Per le istituzioni che dipendono fortemente dai finanziamenti pubblici, è fondamentale essere consapevoli di queste minacce e tendenze. Per adattarsi a questo cambiamento in atto nel mercato della filantropia artistica, le organizzazioni artistiche dovrebbero lavorare per diversificare strategicamente le proprie fonti di finanziamento, ampliando la base di donatori privati a tutti i livelli (magari investendo più risorse nell'attrarre grandi donatori privati) e riducendo la percentuale di budget coperta da risorse pubbliche.
Quale persona all'interno delle istituzioni culturali dovrebbe essere responsabile di questa maggiore raccolta di fondi? Tradizionalmente, i singoli individui all'interno di un'organizzazione artistica avevano ruoli ben distinti. Il secondo oboista suonava le parti del secondo oboe. L'attore che interpreta Amleto recita solo Amleto. Il curatore dell'arte dell'Antico Egitto, della Nubia e del Vicino Oriente si concentrava solo sull'arte di quelle regioni. E il direttore dello sviluppo si limitava a raccogliere fondi. Sebbene questo approccio abbia funzionato in passato, la rivoluzione digitale, la proliferazione di istituzioni artistiche no-profit che competono per ottenere fondi e l'evoluzione della sensibilità delle giovani generazioni hanno portato a ripensare a chi è responsabile della raccolta fondi.

L'organizzazione artistica moderna è meglio servita se tutti i dipendenti e i volontari sono "responsabili" del successo della raccolta fondi. Ora, il secondo oboista può far parte di un comitato per i fondi annuali e occasionalmente può essere invitato a scrivere biglietti di ringraziamento ai donatori. L'attore che interpreta Amleto potrebbe parlare a un gruppo di donatori durante un ricevimento dopo lo spettacolo. Il curatore di Arte egizia, nubiana e del Vicino Oriente potrebbe guidare un gruppo di donatori in uno scavo in Egitto. E il responsabile dello sviluppo dovrebbe aspettarsi di essere coinvolto nelle riunioni in cui si prendono decisioni strategiche. Questo non significa che si chieda agli artisti di sostituire il team di sviluppo dell'organizzazione artistica o che si permetta al direttore dello sviluppo di prendere decisioni sulla programmazione. Piuttosto, questo coinvolgimento ha più a che fare con atteggiamenti e approcci culturali che con la responsabilità funzionale e un approccio di squadra alla gestione. In sostanza, tutti i membri dell'organizzazione hanno il "fundraising" come elemento della loro job description, direttamente o indirettamente, poiché le istituzioni artistiche si rendono conto che lo sviluppo di una cultura della filantropia è molto importante per raggiungere la sostenibilità. Inoltre, una raccolta fondi efficace si basa su relazioni personali e di fiducia più che su scambi transazionali tra l'organizzazione artistica e i suoi donatori. Costruire relazioni durature richiede tempo e impegno, soprattutto nel caso di donazioni consistenti; altrimenti, i donatori potrebbero essere confusi e vedere il loro contributo non come un valore aggiunto per l'organizzazione, ma come un mero scambio commerciale.

Di conseguenza, lo sviluppo di una cultura filantropica nelle organizzazioni artistiche è strettamente legato al concetto di promozione della cittadinanza all'interno delle comunità in cui esse sono inserite. Più che proteggere le arti o il patrimonio, queste istituzioni sono infatti fondamentali per creare legami di fiducia, alimentare il capitale sociale, facilitare lo sviluppo sociale, servire le giovani generazioni e garantire l'accesso culturale a tutti i cittadini. L'interiorizzazione di questi atteggiamenti aumenterà la capacità di raccolta fondi, migliorando l'indipendenza delle organizzazioni artistiche e aiutandole a concentrarsi sulla loro missione, il vero scopo della loro esistenza, ovvero servire la comunità e la forma d'arte.